Sculptées dans un bois léger et patiné (on l'observe ici avec cette patine noire), elles représentent une femme stylisée à tête discoïdale, cou cylindrique, bras réduits, corps tubulaire et scarifications rituelles en particulier sur la face arrière de la tête où les motifs ne sont pas choisis au hasard mais répondent à une codification précise.

Leur nom signifie « enfant d’Akua », déesse de la fertilité. Portées dans le dos par les femmes enceintes ou en désir de grossesse, ces poupées sacrées sont offertes aux autels après consultation d’un devin pour garantir une belle progéniture et naissance sans complication.

Pièce rapportée dans les années 1960 par son premier propriétaire qui l'a cédée par la suite.

L’exemplaire présenté ici se distingue par son corps sculpté en forme d’anneau, caractéristique relativement rare qui confère à l’œuvre une silhouette immédiatement reconnaissable. Cette ouverture centrale contraste avec la tête disproportionnée qui la surmonte, créant un équilibre visuel puissant. Le visage présente les traits typiques de l’esthétique Songye : yeux étroits en amande, nez triangulaire saillant, bouche rectangulaire projetée vers l’avant et cou allongé. Plusieurs excroissances circulaires sculptées sur le visage évoquent des charges magiques ou des marques symboliques liées à la fonction divinatoire de l’objet.

La sculpture repose sur deux pieds massifs et témoigne d’un travail direct, énergique et expressif. La patine sombre, profondément usée par le temps et les manipulations rituelles, révèle l’ancienneté de la pièce ainsi que son usage prolongé. Les traces d’érosion, les variations de surface et les irrégularités de la taille renforcent son authenticité et son pouvoir de présence.

À la fois objet de divination, sculpture rituelle et témoignage de l’art traditionnel Songye, cet oracle Katatora constitue une œuvre de caractère particulièrement recherchée par les collectionneurs d’art africain ancien.

Dans les traditions du bassin du Congo, ce type de figure appartient à la vaste famille des nkisi, objets investis d’une puissance spirituelle. Les substances placées dans la cavité abdominale, appelées bilongo, pouvaient être composées de matières végétales, minérales ou animales sélectionnées pour leurs propriétés symboliques. Activée par un spécialiste rituel, la figure devenait alors un support de protection, de guérison, de médiation ou de justice. La bouche ouverte, fréquemment rencontrée dans l’art kongo, est souvent interprétée comme une manifestation de la parole agissante, de l’autorité spirituelle ou de la capacité à communiquer avec les forces invisibles.

L’art kongo se caractérise par sa capacité à associer formes stylisées et fonctions complexes. Derrière son apparente simplicité, cette petite sculpture témoigne d’une conception du monde où les objets peuvent devenir les réceptacles d’énergies spirituelles et les intermédiaires entre les vivants, les ancêtres et les puissances invisibles. Elle constitue ainsi un précieux témoignage des traditions religieuses et artistiques du royaume Kongo et des populations qui lui succédèrent.

Le Bwiti est une pratique spirituelle originaire du Gabon, notamment chez les Tsogho, les Mahongwé et les Fang. Il s'agit d'un rite initiatique centré sur l'absorption de l'iboga, une plante aux propriétés hallucinogènes, permettant aux initiés d'accéder à des visions et à une connaissance profonde de leur existence et du monde spirituel. Le Bwiti intègre des éléments d'animisme, de culte des ancêtres et, dans certains cas, de christianisme, reflétant ainsi un syncrétisme religieux.

Les cérémonies du Bwiti sont conduites par un guide spirituel, le N'ganga, et incluent des chants, des danses, et l'utilisation d'instruments traditionnels tels que la harpe Ngombi. Ces rituels, souvent nocturnes et pouvant durer plusieurs jours, jouent un rôle central dans la cohésion sociale et la transmission des valeurs culturelles au sein des communautés gabonaises.​

Les figures mbumba bwiti sont donc intrinsèquement liées à ces pratiques, symbolisant la présence continue des ancêtres et leur influence bienveillante sur les vivants. Elles illustrent la richesse de l'art rituel gabonais et l'importance accordée au lien entre le monde matériel et le monde spirituel.

Un gardien de reliquaire dans le style de celui-ci a été publié dans "Tsogho, les icônes du Bwiti", Paris, B. Dulon.

Les statues traditionnelles Tellem, produites par les premiers occupants de la falaise de Bandiagara au Mali, constituent l’un des plus anciens témoignages d’art tribal africain en bois conservé, datant principalement entre le XIe et le XVe siècle.
Le terme « Tellem », qui signifie « ceux qui étaient là avant nous » en langue dogon, désigne ce peuple mystérieux qui a précédé l’installation des Dogon dans cette région escarpée.
Leur art, découvert dans des grottes et des abris sous roche, se caractérise par des formes stylisées, des volumes étirés et une patine épaisse, sombre et croûteuse, fruit des siècles passés dans des conditions climatiques extrêmes et des rituels répétés.

L’un des traits les plus marquants de la statuaire Tellem est la posture des bras tendus vers le ciel comme on le voit sur cet exemplaire.
Ce geste, repris plus tard par les Dogon, est interprété comme une imploration : il peut symboliser l’appel à la pluie, essentielle pour l’agriculture dans cette région semi-aride, ou une prière adressée aux ancêtres et aux divinités pour obtenir protection et fertilité. Selon certaines sources, cette posture évoque aussi la communication avec le monde des esprits et des défunts, les bras levés formant une sorte de pont entre la terre et le ciel, entre les vivants et les forces invisibles. Elle rappelle également le mythe dogon des Nommo, ces génies ancestraux liés à la création du monde et à l’ordre cosmique.

La patine épaisse et croûteuse qui recouvre ces statues est le résultat de plusieurs phénomènes : l’exposition prolongée à la fumée des feux rituels, les libations (offrandes liquides), les onctions d’huiles et de sang sacrificiel, ainsi que l’érosion naturelle due à l’humidité des grottes.
Cette patine n’est pas seulement un signe d’ancienneté, mais aussi la trace tangible des pratiques religieuses et des sacrifices qui ont activé la puissance spirituelle de l’objet.
Les analyses scientifiques menées sur ces patines ont révélé la présence de résidus organiques et minéraux, confirmant leur usage rituel intensif et leur rôle central dans la vie sociale et religieuse des Tellem.

L’héritage artistique des Tellem a profondément influencé la statuaire dogon, notamment par la reprise de motifs et de postures, mais aussi par la dimension sacrée et initiatique associée à ces objets. Aujourd’hui, les statues Tellem sont considérées comme des trésors de l’art africain ancien, recherchées pour leur rareté, leur beauté sobre et leur charge historique.

Remarquable statue issue de la collection B. Berete, marchand et collectionneur très expérimenté ayant travaillé en Suisse, Belgique et États-Unis en particulier auprès de Pierre Dartevelle.

Dans leur contexte traditionnel, ces statues sont avant tout des instruments de protection et de guérison. Elles interviennent lors de rites destinés à écarter les maladies, les malédictions ou les forces malveillantes qui pourraient menacer les individus ou la communauté. Placées dans des sanctuaires ou manipulées par des devins et des guérisseurs, elles deviennent des supports essentiels lors de cérémonies visant à rétablir l’équilibre et l’harmonie.

Les objets Bwaka jouent également un rôle clé dans la divination, servant d’intermédiaires entre le monde visible et invisible. Les figures anthropomorphes, souvent sculptées avec soin, sont consultées pour résoudre des conflits, interpréter des rêves ou éclairer des décisions importantes. Leur présence est indispensable lors de séances où la parole des ancêtres ou des esprits doit être entendue et comprise.

Par ailleurs, ces statues accompagnent les grands moments de la vie sociale, notamment les rituels de passage tels que les initiations ou les funérailles. Elles symbolisent alors la transition entre les différents états de l’existence, guidant les vivants et honorant les défunts.

Fétiche africain au cou annelé, vraisemblablement de la région de la Lubefu et du Lomami. Le cou est hyper longiforme, la coiffure en calotte est rejetée vers l'arrière, les yeux sont représentés par des cauris.

Conjugaison à la fois du rituel et du cultuel, ces statues appelées mankishi (nkishi au singulier) possèdent également une dimension cosmique dont les énergies y sont étroitement liées.
Elles sont l’œuvre du sculpteur, du forgeron et du nganga. Ce dernier, spécialiste rituel, possède les pouvoirs bénéfiques et protecteurs qui sont de loin supérieurs à la magie maléfique des sorciers, dont ils connaissent par ailleurs aussi les secrets, et qui leur permettent, entre autres, de déjouer les manipulations des mikishi (esprits errants devenus malfaisants).

Le nganga confectionne un bwanga, objet ou amalgame d’objets, en fonction de l’objectif à atteindre, que ce soit la protection, la guérison, la procréation… Ce sont les charges incorporées, appelées bishimba, et dont seul le nganga en connait le secret et la composition, qui permettront l’obtention de l’effet souhaité.
Le nkishi est une forme particulière du bwanga. Les statues de plus de 60 cm (les plus grandes peuvent atteindre 130 cm) sont destinées à protéger la communauté, alors que les plus petites sont des mankishi liés à la protection personnelle.

Dans l'art africain, les styles Songye sont extrêmement variés, citons les Belande, les Eki, les Kalebwe, les Nsapo-Nsapo et les Milembwe. Les effigies les plus remarquables sont constituées de bois, métal, clous, rivets, coquillages, plumes, peaux, os… et bien évidemment, possèdent leurs charges magiques.

Les Baoulé constituent un groupe ethnique majeur de la famille Akan, résidant principalement en Côte d'Ivoire, dans la région centrale. Leur art, et plus spécifiquement leur statuaire, est l'un des plus raffinés de l'Afrique de l'Ouest.
Cette production artistique joue un rôle central dans les pratiques spirituelles et les rites sociaux des Baoulé, servant à établir un lien avec le monde spirituel et à exprimer des valeurs culturelles profondes. Les sculptures baoulé sont non seulement des objets d'art, mais aussi des supports de mémoire collective et des instruments de transmission spirituelle et sociale. 

Contrairement à d'autres traditions sculpturales dans l'art africain plus stylisées, les sculptures Baoulé présentent une représentation détaillée des traits humains — notamment les yeux, les nez et les bouches — ce qui confère une intensité à l’expression des statues.

La statuaire Baoulé n’est pas simplement une manifestation esthétique : elle est avant tout un outil spirituel utilisé dans les rites de passage, les cérémonies funéraires, et les pratiques religieuses. Ces sculptures sont des représentations d’ancêtres ou d’esprits protecteurs, servant à connecter les vivants aux forces surnaturelles.

Rites initiatiques et spirituels : Lors des rites d'initiation, les statues Baoulé jouent un rôle essentiel en symbolisant la transformation spirituelle des jeunes hommes et femmes, marquant leur passage de l’enfance à l’âge adulte. Les sculptures représentent aussi des divinités tutélaires ou des ancêtres auxquels les initiés doivent rendre hommage.

Funérailles et cultes des ancêtres : Les sculptures, souvent placées près des tombes, servent à honorer les défunts et à maintenir un lien avec les ancêtres, facilitant leur passage vers l’au-delà et assurant la protection des vivants. Ces statues sont considérées comme des intermédiaires entre les deux mondes.

Représentation de la royauté : Les têtes sculptées ou les statues d’individus dignitaires soulignent le pouvoir spirituel et politique de ceux qui les représentent. Dans ce contexte, la sculpture devient un symbole de légitimité et de souveraineté divine, ce qui est particulièrement significatif dans la culture Baoulé où le chef incarne une figure intermédiaire entre les humains et les divinités.

Cette rare statue africaine ancienne provient de la région du nord de la Bénoué, zone culturelle majeure située au nord du Cameroun et s’étendant vers le Nigéria voisin. Elle s’inscrit dans la grande tradition sculpturale des peuples Mama (Kantana), tout en présentant des affinités stylistiques évidentes avec les productions du groupe Kaka, partageant un même territoire et des pratiques rituelles proches.

La sculpture se distingue par un corps volontairement massif, compact et frontal, caractéristique des figures de cette région. Le visage, d’une grande expressivité, adopte une forme subtilement cordiforme, finement équilibrée, conférant à l’ensemble une présence à la fois douce et puissante. Les traits sont épurés, maîtrisés, et traduisent une parfaite compréhension des volumes par le sculpteur.

La patine croûteuse, épaisse et profondément enracinée dans la matière, témoigne d’un long usage rituel et d’une grande ancienneté. Elle recouvre l’ensemble de la statue et renforce son authenticité, tout en offrant une surface vibrante, vivante, recherchée par les collectionneurs avertis. La figure féminine présente ses attributs sexuels de manière assumée, rappelant le rôle central de la fertilité, de la fécondité et de la transmission dans les sociétés traditionnelles de la région.

Œuvre à la fois rare, ancienne et authentique, cette statue Mama Kantana se distingue par la qualité de sa sculpture, l’intensité de sa présence et l’harmonie de ses proportions. Elle incarne pleinement la force symbolique et esthétique de l’art africain ancien, où chaque forme est porteuse de sens.

Véritable chef-d’œuvre de sobriété et de puissance, cette sculpture constitue une pièce de choix pour toute collection sérieuse, séduisant aussi bien le regard averti du collectionneur expérimenté que l’émotion immédiate de l’amateur découvrant l’art tribal africain.

Destinée à l’amateur désireux de s’offrir un véritable objet de collection, alliant qualité, authenticité et cohérence stylistique, et proposée en toute transparence avec des documents attestant de son origine et de sa provenance, cette remarquable statue porteuse de coupe Luba, attribuée au sous-groupe Mboko, se distingue par une stylisation particulièrement aboutie et une présence formelle d’une grande élégance. Sculptée dans un bois dense à la patine ancienne, elle représente une figure féminine assise, tenant une coupe cérémonielle à deux mains, dans une posture frontale empreinte de retenue et de solennité.

La figure se caractérise par un traitement raffiné des volumes : le buste élancé, la poitrine discrètement modelée, les épaules tombantes et la position assise aux jambes repliées traduisent une parfaite maîtrise des équilibres. Le visage, allongé et serein, présente des traits finement incisés, des yeux mi-clos et une bouche légèrement entrouverte, conférant à l’ensemble une expression intériorisée, typique de l’esthétique luba. La coiffure élaborée, structurée par des motifs géométriques incisés, ainsi que les scarifications décoratives visibles sur le corps, renforcent la dimension symbolique et statutaire de l’œuvre.

La coupe, soigneusement intégrée à la composition, n’est pas un simple accessoire mais un élément central de la sculpture. Chez les Luba, les statues porteuses de coupe étaient étroitement liées aux notions de pouvoir, de mémoire et de transmission. Elles intervenaient dans des contextes rituels et politiques, notamment en lien avec les sociétés initiatiques et la royauté, servant à contenir des substances sacrées, des offrandes ou des éléments associés à la légitimation de l’autorité et à la communication avec les ancêtres.

Les porteuses de coupe luba figurent parmi les sculptures les plus emblématiques et les plus recherchées de l’art d’Afrique centrale. Les exemplaires anciens, présentant une forte cohérence stylistique, une patine authentique et une absence de restaurations lourdes, sont aujourd’hui rares et très appréciés par les collectionneurs et les institutions. Le sous-groupe Mboko est reconnu pour la sobriété de ses formes, la tension contenue des postures et la grande lisibilité symbolique de ses œuvres.

Cette statue est issue d’une collection privée belge constituée au cours du XXe siècle, dans un cadre strictement privé. Elle a été conservée avec soin, à l’écart de toute exposition prolongée, ce qui explique la qualité de sa surface et la profondeur de sa patine.

Par son élégance formelle, sa forte charge symbolique et la qualité de son exécution, cette porteuse de coupe Luba Mboko s’impose comme une œuvre majeure, incarnant pleinement l’art de la mémoire, du pouvoir et de la transmission au cœur de la culture luba. Elle constitue une pièce de choix, aussi bien pour un collectionneur averti que pour une collection institutionnelle ou muséale, et suscite immédiatement le coup de cœur par sa présence silencieuse et intemporelle.